#Intervista con Dai Fujikura (Settembre 2017) su #neuguitars #blog

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Intervista con Dai Fujikura (Settembre 2017)

Quali sono stati i tuoi studi e qual è il tuo background musicale? Quali sono state e sono le tue principali influenze musicali?

Ho iniziato a suonare il piano quando avevo 5 anni in Giappone, e anche teoria musicale. Penso di aver frequentato tutti i Sabato il junior music college dai 5 ai 6 anni (e sono andato a scuola ogni domenica dall’età di 3 fino ai 10 anni, anche se ritenevo che non facesse per me).

Perché hai scelto di diventare un compositore?

Ho avuto un ottimo insegnante di pianoforte quando avevo 6-12 anni, anche se sono sempre stato un ribelle contro tutto e tutti e soprattutto contro questo povero insegnante di pianoforte. Ho tagliato una battuta della sonata di Beethoven, ho cambiato la melodia di Mozart, ho tagliato i resti della musica pianistica di Haydn, pensando sinceramente che in quel modo la musica suonasse meglio. Non so come ho potuto fare una cosa del genere a questi maestri storici! Ovviamente il mio insegnante di pianoforte mi sgridava continuamente..
Il solo modo per riuscire a sfuggire dalla musica che il mio (ottimo) insegnante di pianoforte mi obbligava a suonare, era quello di comporre la mia musica. Se avessi scritto la mia musica, nessuno mi avrebbe potuto dire che stavo suonando in modo sbagliato.
Mia madre, tuttavia, pensava sempre che stavo componendo solo per evitare di praticare il pianoforte (aveva ragione), così mi gridava dal balcone (quando stendeva i panni ad asciugare) quando sapeva che stavo componendo la mia musica.
La sola musica che ricordo che mi era piaciuta quando avevo 10 anni, fu quando questo insegnante di pianoforte mi mostrò i “Játékok ” di Kurtag. Non ho idea di come ne fosse a conoscenza nel 1980 nella provinciale Osaka. Anche se lei ne aveva avuto abbastanza di me per ogni minuto delle lezioni (anche mia madre seguita la lezione con il suo blocco di appunti), aveva pensato di portare questa musica contemporanea per pianoforte. Ricordo ancora quanto mi aveva colpito quello spartito di Kurtag.

Hai composto molte musiche per la chitarra, in particolare per la chitarra elettrica, nel libretto del tuo ultimo cd che hai scritto “I always found it tricky writing for the guitar due to limitations on holding chords as well as the softness of the instrument”.e “The sound of the guitar is like a piece of small jewellery and I am continually figuring out how to spin it into a big world, or a whole universe”. Questa è una visione molto poetica, come hai iniziato a comporre per la chitarra?

Fondamentalmente, quando ero al liceo (mi sono trasferito da solo in Gran Bretagna), non riuscivo a fare un accordo in Fa maggiore sulla chitarra! (Sono sicuro che questo sia un classico per molte persone). Comunque sapevo che scrivere per la chitarra è sempre molto difficile per un non chitarrista, ma ho sempre amato il suono della chitarra, in primo luogo il suono della chitarra elettrica (nella musica pop e rock che ascoltavo quando ero al liceo) apprezzando il suono della chitarra acustica. Il mio primo pezzo di chitarra acustica è stato “Sparks” scritto nel 2011, solo 6 anni fa.

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Come è nata l’idea di realizzare il tuo ultimo cd “Chance Monsoon”?

Avevo sempre voluto scrivere un bel pezzo per chitarra acustica. Quindi, quando Soichi Muraji mi chiese di scrivere, sono stato molto felice. Non avevo idea un chitarrista così famoso (non me ne sarei preoccupato anche se l’avessi saputo). Abbiamo passato molto tempo assieme su Skype, io avevo la mia chitarra che mi era stata donata da un mio amico ai tempi della scuola superiore (era in una band, o voleva essere in una band, e quando aveva lasciato la scuola superiore non aveva voluto portarla via con se, così me la regalò. La cosa sorprendente è che dopo 20 anni le corde non si erano ancora rotte! E io non riesco ancora a tenere l’accordo di Fa maggiore) e ho cercato di scoprire nuovi modi per suonare lo strumento. Ho chiesto a Soichi a fare molte cose su skype, alla fine c’era sempre un momento: “È così!” in cui sapevo che era la tecnica chiave per il pezzo quando Soichi mi diceva di non aver mai suonato qualcosa di simile alla chitarra. Come l’apertura e la fine del tremolo, quando ho scoperto attraverso questa sessione di Skype (non sapevo di essere stato il primo ad usarlo, ma almeno per me è stata una scoperta), ero abbastanza ossessionato dal suono. Ho scoperto diverse altre tecniche durante le sessioni con Soichi che sono state delle novità anche per lo stesso Soichi, così mi ha detto. Ogni giorno scrivevo qualcosa e gli inviavo gli screenshot, lui lo registrava e me la inviava. Siamo andati avanti così fino a finire il pezzo. Amo questo tipo di collaborazione con musicisti e cerco di farla il più possibile.

Ho visto che molte delle tue musiche sono state interpretate da International Contemporary Ensemble (ICE), come viene influenzata la tua metodologia musicale dalla comunità di persone (musicisti o meno) con cui lavori? Cambia il tuo approccio in relazione a ciò che ricevi direttamente o indirettamente da loro?

Come ho spiegato in precedenza, in pratica collaboro sempre con i musicisti. Per quanto riguarda I.C.E., conosco bene tutti i musicisti e con loro ho lavorato su tanti brani. Mi ricordo che una dei membro di ICE suonò Multiphonics nel il giorno di Natale su skype per, dicendomi poi che era malata e aveva la febbre alta.

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Che significato ha per te l’improvvisazione nella tua ricerca musicale? Possiamo tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come il classico o siamo costretti a lasciar stare e a rivolgerci ad altri repertori come il jazz, la musica contemporanea, ecc?

Per l’improvvisazione collaboro con musicisti norvegesi come Jan Bang, abbiamo realizzato alcune tracce che sono sull’album di Jan. Quest’anno, al “Born Creative Festival”, che è un nuovo festival di musica di cui sono direttore musicale, ho eseguito insieme a Jan Bang e Nils Petter Molvaer sul palco, improvvisazione totale. Ogni volta che lavoro con loro e altri improvvisatori di questo livello ho modo di imparare tanto, come ascoltare il suono e come reagire, ma anche su come non reagire a un certo momento e così via.

Berlioz ha detto una volta che la comporre per la chitarra classica è molto difficile e che per poterlo fare bisogna prima essere un chitarrista e queste parole sono state spesso usate come giustificazione per il limitato repertorio della chitarra classica rispetto ad altri strumenti come il pianoforte e il violino. Allo stesso tempo queste parole sembrano non essere più così importanti nel mondo della musica contemporanea dove la chitarra (classica, acustica, elettrica, midi) sembra attirare molta attenzione. Come compositore, credi che ci sia ancora qualcosa di vero in quello che Berlioz ha detto?

Penso che ciò che ha detto sia giusto, ma solo se non hai Skype o FaceTime per poter interagire con i chitarristi! Come ho già detto, la collaborazione quotidiana con i musicisti può risolvere questo problema. In realtà con Chance Monsoon, il chitarrista Soichi Yoichi mi ha mostrato un sacco di tecniche che non aveva mai eseguito prima. Quindi forse funziona meglio se sei compositore NON-chitarrista ma CON Skype (sto quasi scherzando).

Quali sono i tuoi cinque dischi fondamentali, sempre da avere con te … i classici cinque dischi per l’isola deserta?

Non lo so, non ascolto più musica nel tempo libero poiché ho mia figlia. Sento già musica abbastanza da qualunque cosa lei stia guardando o ascoltando (e non per mia scelta), non ho più la possibilità ascoltare musica per la mio stesso piacere.
Se ci riesco, ascolto soprattutto musica pop, come gli album di David Sylvian (in particolare “Secret of the Beehive”, “Gone to earth”o in realtà qualsiasi cosa sua, compresi gli album recenti), gli album di Ryuichi Sakamoto (inclusa la musica per il cinema come i brani che ha composto per The Revenant), gli album di Arve Henriksen e anche altri album sperimentali, di improvvisazione o pop con cui vengo in contatto.
A volte ascolto le registrazioni musicali classiche per scopi di studio.

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Adoro David Sylvian e Ryuichi Sakamoto! Quali sono i prossimi progetti? Su cosa stai lavorando?

Ho appena finito di comporre la mia seconda opera. E’ per un pubblico giovane e si intitola “The Gold-bug” per il teatro Basel (è un’opera in due versioni, in inglese e in tedesco) e sto preparando per la mia terza opera per 2020, questa è con orchestra sinfonica, coro e cantanti … così grande. Allo stesso tempo scrivo per il mio terzo concerto di pianoforte co-commissionato da 3 orchestre, vi annuncerò i dettagli quando potrò!

L’ultima domanda: alcuni anni fa, durante un’intervista a Bill Milkowski per il suo libro “Rockers, Jazzbos and Visionaries” Carlos Santana ha dichiarato: “Alcune persone hanno talento, alcune persone hanno una visione e la visione è più importante del talento, ovviamente”. Penso che tu abbia un grande talento, ma … qual è la tua visione?

Non so se posso davvero accettare questa frase. Non so realmente che cosa sia il talento, cosa fa? Negli ultimi tre anni ho creato un laboratorio di composizione per bambini di 5 anni a Fukushima (sponsorizzato da Louis Vuitton) e tutti questi bambini di 5 anni nella mia classe sono dei geni (chiunque sia nel programma per orchestra giovanile è benvenuto in questa classe, senza alcun costo, nessun impegno, ma i ragazzi continuano a tornare in questa classe). Li introduco a tutti i tipi di tecniche estreme e estese di strumenti, iniziano immediatamente a scrivere (notando) nella propria composizione per far sì che lo strumentista si eserciti sul posto in classe.
Visione, non so cosa significhi in musica. Certamente non voglio dire o credere che sto facendo musica che dovrebbe essere considerata come “rivoluzionaria” – non mi piace che le persone dicano oggi cose come queste, sa molto di vecchio stile, non abbiamo bisogno di rivoluzioni nella musica, sicuramente non nella musica classica (sì, vorrei che venga eseguita più nuova musica invece di Mahler, ma non è la fine del mondo).
Per me, la musica è e la produzione musicale è molto più naturale della mia vita quotidiana. Voglio solo creare il mondo che mi piace visitare o vivere. Per gli ascoltatori che sono diversi da me, è come invitarli a “casa” mia per un tè, una vista che dura la lunghezza del brano che ascoltano. È sempre possibile uscirne quando il pezzo finisce!

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